Auch die Kunst entwickelt sich im Laufe der Menschheitsgeschichte weiter. Was wurde besprochen? Wie entstand abstrakte Kunst und warum wurde sie später im kommunistischen Russland verboten? Können wir islamische Kunst als abstrakte Kunst bezeichnen? Wie Picasso der kubistischen Kunst die Dimension der Zeit hinzufügte. Sind Fotografie und die heutigen digitalen Ausdrucksformen und Ansichten Kunst? Wie wird die Zukunft der Kunst aussehen? Während ich diese Fragen beantworte, überlasse ich ihnen meine Antworten. Aber lassen Sie uns kurz Revue passieren lassen, was die Meister gesagt und getan haben. Mein Ziel ist es nicht, Sie zu beeindrucken oder zu überzeugen, sondern Ihr Bewusstsein zu schärfen! Ich bin sicher, dass Sie Ihre Antworten rechtzeitig finden werden.
Warum schreibe ich über Kunst? Weil wir alle lernen und verstehen müssen; Denn in einer rapide schrumpfenden globalisierten Welt ist Kunst ein gemeinsames Verständnis, eine Sprache, genau wie das Rechnungswesen …
Vor drei Wochen haben wir über Herbert Reads Buch „The Meaning of Art“ gesprochen und über Weltkunst und westliche Kunst gesprochen. Ich habe mit Herbert Read versucht, den Künstler und seine Kunst zu verstehen und zu erklären. Aber Herbert Read hatte die Pop-Art nicht eingeholt. Pop hingegen schaute sich alles noch einmal an und interpretierte es.
Als ich mich auf eigene Faust mit dem Kunstbegriff auseinandersetzte, entdeckte ich ein weiteres Buch in meinem Bücherregal. Muharrir Mehmet Yılmaz ist ein Künstler, dessen Werke Teil der Sammlung der Yıldız Holding sind. Er ist jemand, der Kunst schafft und erklärt, und der Titel seines Buches lautet „Kunst von der Moderne bis zur Postmoderne“.
Mehmet Yılmaz, der Stände bei Piramid Sanat eröffnete, ist immer noch Dozent an der Gazi-Universität und unterrichtet Teilzeit an der Abteilung für Bildende Kunst und Musik der METU.
Wer ein Bild, also eine Ikone, betrachtet, kommt unweigerlich in ein Gespräch mit sich selbst. Ist Fotografie zum Beispiel eine Kunst? Warum brauchen Sie dann noch Fotos? Wenn wir jedoch die Gegenwart in der Zukunft in Frage stellen, werden wir Jahrhunderte später die Paradigmen der Gegenwart in Frage stellen, so wie wir heute über Rokoko und Barock sprechen, wer weiß?
In Mehmet Yılmaz‘ Werk „Stone and Shat“ erscheint „Stone“ wie eine Fotografie, also mit leuchtender Schrift, vor uns. Aber wird diese Landschaft niemals dekonstruiert? Es ist verzerrt, und der Künstler hat diese Verzerrung auf das Wort angewendet, indem er es rückwärts lesen lässt, das heißt, die Landschaft und die Konnotation werden dekonstruiert. Denken Sie daran, dass in der Kunst alles möglich ist …
Mehmet Yılmaz. Peter und Shat. Digitaldruck auf der linken Leinwand; Ölgemälde auf gerader Leinwand. 68×97 cm. 2011
„Kunst von der Moderne bis zur Postmoderne“ ist ein Buch, das die wichtigsten Bewegungen und Trends, soziale, politische, intellektuelle und technologische Entwicklungen beschreibt, die sich im Bereich der Kunst seit Beginn des letzten Jahrhunderts bis heute herausgebildet haben.
Bis in die 1980er Jahre wurden die Begriffe zeitgenössische Kunst und zeitgenössische Kunst in der Kunstwelt synonym verwendet. Nach der Entwicklung in der jüngeren Geschichte folgt jedoch in verschiedenen nacheinander erscheinenden Publikationen auf die Zeitgenössische Kunst die Postmoderne, also die Zeitgenössische Kunst oder die Aktuelle Kunst.
Was sind die Schlüsselkonzepte der modernen Kunst? Ist das, was wir figurativ nennen, tatsächlich abstrakt? Ist das reine Kunstargument eine Form von künstlerischem Rassismus? Geht die Moderne weiter? Wie wirken sich technische Erfindungen auf die Kunst aus? Wie ist es möglich, dass Dinge, die gestern als „Nicht-Kunst“ galten, heute als Kunst gelten? Wer sind die Schlüsselkünstler dieses Ansatzes?
Lassen Sie uns weiter über die Antworten auf diese Fragen nachdenken und uns auf die Bewegungen und ihre Vertreter aus einer anderen Perspektive konzentrieren, basierend auf Herbert Reads Buch The Meaning of Art (https://muratulker.com/y/butun-sanatcilar-takdir-ister -ya-sanat-danismanlari /).
Viele Titel des Artikels laden uns ein, die Existenz zu verstehen, vom Impressionismus über Postimpressionismus und Expressionismus bis hin zu Kubismus und Dada, vom Konstruktivismus bis zum Futurismus.
Was ist modern? Das heute weit verbreitete Wort „modern“ leitet sich vom lateinischen Wort „modo“, was völliger Überschuss bedeutet, und dem daraus abgeleiteten Wort „modernus“ ab (1).
Beginnen wir mit den „modernen“ Impressionisten des 19. Jahrhunderts; zum Beispiel Claude Monet; Durch die Auseinandersetzung mit seinen Werken entwickelt sich gemeinsam eine Vertrautheit mit der allgemeinen Struktur der Bewegung und den Zeichen, die Bewegung erzeugen. Es sei darauf hingewiesen, dass Monet ein Name ist, der sich in akademischen Kreisen aufgrund der Innovationen, die er in die Kunst der Fotografie einbrachte, erst sehr spät durchsetzte.
Wenn wir Monet im Vergleich zu Mehmet Yılmaz betrachten; Es gibt keinen Gott oder keine Religion mehr, keine Geschichte oder Moral, keine dunklen Probleme mehr in der Fotografie. Das Hauptziel bestand darin, das Sichtbare, den Moment und das Licht von der Leinwand auf die Augen zu übertragen.
Auguste Rodin, Calais Bourgeois, 1886-88, Bronze
Einer der Vertreter der bildhauerischen Gedanken dieser Bewegung war Auguste Rodin.
Claude Monet, Druck: Rising Sun, 1873, Öl auf Leinwand, 48 x 63 cm
Wie den Fotografien der Impressionisten wurde auch seinen Skulpturen vorgeworfen, sie seien unvollendet. Der Grund dafür war, dass die scheinbar blitzschnell fertiggestellten Oberflächen der Statuen so belassen wurden, wie sie waren, ohne ordnungsgemäß gefeilt zu werden. Die hier und da auf der Oberfläche der Masse hinterlassenen Texturen und Spuren fragmentierten das Licht, was der Skulptur eine impressionistische Atmosphäre verlieh. Es stellte sich heraus, dass Rodins Kunst zu umfassend war, um sich auf den Impressionismus zu beschränken; Weil er Worte und Taten wunderbar übertreibt, steht der Expressionismus am äußersten Ende des Abstrakten, da er den Körper angemessen in Kleidung verbirgt, die nicht wie Kleidung aussieht (2).
Cézanne, einer der Postimpressionisten, legte Wert auf die Form, auf die die Impressionisten wenig Wert legten. Cézanne hatte keine Lust, attraktive und optisch ansprechende Fotos zu machen. In den folgenden Jahren wurden seine Naturdarstellungen, in denen er in seinen Werken häufig geometrische Bezüge mit Kegeln und Würfeln verwendete, zu Eckpfeilern des Kubismus.
Im Gegensatz zu Cézanne stand Van Gogh direkt vor der Gestalt. Was auch immer er malt, er verzerrt die Formen der Natur oder von Objekten und interpretiert sie mit seiner einzigartigen Handschrift und ungewöhnlichen Farbpalette. Er baute Tausende von Werken in sein trauriges und kurzes Leben ein, das er größtenteils alleine lebte.
Paul Gauguin, der freundschaftliche Beziehungen zu Van Gogh hatte, beschloss, Maler zu werden, während er an der Börse beschäftigt war. Aus finanziellen Gründen trennte er sich jedoch von seiner Frau und beschloss, Paris, dann Frankreich und die westliche Kultur zu verlassen. Er reist für einen Neuanfang nach Tahiti und bleibt dort drei Jahre; Er produziert farbenfrohe, primitive und ornamentale Fotografien. Laut dem Künstler, der glaubte, dass primitive Kunst aus der Seele geboren wurde, war die Natur der Diener der primitiven Kunst. Das Wertvolle an der Kunst war, dass sie die innere Seele der Menschen widerspiegelte, nicht die äußere Natur. In diesem Fall wäre es von Vorteil, sich von den Irrtümern des Naturalismus zu lösen. Deshalb war die Lichtquelle in Gauguins Fotografien nicht die Sonne, sondern die Farbe selbst. Er trug die Farben flächig auf die Oberfläche der Leinwand auf, was seinen Fotografien eine ornamentale Atmosphäre verlieh.
Ein weiterer Postimpressionist war George Seurat, der die Öffentlichkeit in die Technik des Pointillismus einführte, bei der er Linien und Licht darstellte, indem er sie in Punkte zerlegte. Das Leben, die Objekte und alle sich bewegenden Charaktere, die mit dieser Technik dargestellt wurden, schienen eingefroren zu sein.
Georges Seurat. Kiefer 1905. Ölgemälde auf Leinwand
Als Postimpressionist, Autodidakt und leidenschaftlicher Liebhaber tropischer Länder erregte Henri Rousseau, der auch als Zollbeamter arbeitete, die Aufmerksamkeit von Künstlerkreisen, obwohl er über keine formelle künstlerische Ausbildung verfügte.
Mit seinem einzigartigen Stil hat es seinen Platz in allen Museen für zeitgenössische Kunst eingenommen.
Bild: Henri Rousseau. Der schlafende Zigeuner, 1897. (Ausgestellt im MoMA, 5. Stock)
Dann gibt es den Kubismus, aber was ist mit den Koloristen, den Fauvisten? Der Fauvismus ist die von Henri Matisse geschaffene Bewegung, die Farben so in das Gemälde bringt, wie sie sind, ohne sie in Mitteltöne umzuwandeln.
Ist es also möglich, zum Kubismus und noch mehr zur Moderne überzugehen, ohne die Erfindung der Kamera zu erwähnen?
Wir können sagen, dass mit der Erfindung der Kamera die Geschichte des Bildes in zwei Teile geteilt wurde: vor der Kamera und nach der Kamera. Allerdings wurde die Kamera 1839 erfunden, lange bevor sich die zeitgenössische Fotografie, die es seit Mitte des 19. Jahrhunderts gab, in den 1910er Jahren zur modernistischen Fotografie entwickelte.
Picasso begann seine neue Ära mit der Zerlegung der Figur; er bezeichnete Cézanne oft als seinen Meister. Ihre Inspiration muss sich in eine Künstlerphobie verwandelt haben, denn einer ihrer Zeitgenossen, der kubistische, dadaistische und surrealistische Regisseur Jean Cockteau, sagte:
Als wir erfuhren, dass Picasso nach Paris kommen würde, um mich oder andere Künstler zu sehen, schlossen wir unsere Türen ab oder versteckten die Werke, an denen wir gerade arbeiteten.
In seinem Buch erläutert Mehmet Yılmaz ausführlich die Namensgebung der Entstehung des Kubismus.
Georges Braque. Residenzen in l’Estaque, Öl auf Leinwand, 73 × 60 cm 1908
Der Vater des Kubismus ist Matisse. Matisse sah 1908 Braques Foto mit dem Titel „Habitations de l’Estaque“ auf einem Ständer und machte sich darüber lustig, indem er sagte, dass es „wie Würfel aussah“. In den folgenden Tagen verbreitete sich dieses Wort und wurde zum Namen einer Bewegung.
Bei einer kubistischen Fotografie wird das Bild des Objekts aufgelöst und in Abschnitte auf der Leinwandoberfläche aufgeteilt und aus mehreren Perspektiven gleichzeitig gezeigt. Diese Synchronizität bedeutet, wie der Name schon sagt, dass die vierte Dimension (Zeitdimension) ins Spiel kommt.
Versuchen wir es zu erklären:
Nehmen wir an, wir haben ein Objekt vor uns und möchten ein Foto davon machen. Ein Objekt zu fotografieren bedeutet, es aus einem klaren Blickwinkel zu betrachten und sein Bild auf die Leinwand zu übertragen. Indem wir diese Arbeit auf einer Ebene ohne Tiefe, also auf der Leinwand, nach den Regeln der klassischen Perspektive durchführen, können wir entsprechend unserem Know-how ein überzeugendes Bild erhalten. Wie wir wissen, ist die Darstellung eines Objekts auf einer ebenen Fläche, als ob es dreidimensional wäre, eine Form der Illusion, die es seit der Renaissance gibt. Bei diesem Verfahren wird die Ebenheit der Leinwand ignoriert und die Leinwand als Erweiterung behandelt. Das so gemalte Bild eines Tisches oder einer Gitarre auf einer Leinwand wird in einem bestimmten Winkel gezeigt, andere Winkel werden daher vernachlässigt. Denn beim Fotografieren blickten wir immer aus dem gleichen Blickwinkel auf das Objekt, das uns als Modell diente. Wir wissen jedoch, dass es Aspekte dieses Objekts gibt, die wir nicht sehen können. Wenn wir um das Objekt herumgehen, um andere Seiten zu sehen, verschwenden wir offensichtlich lange oder kurze Zeit. Es geht jedoch auch anders: Auch wenn wir es nicht sehen, können wir über andere Aspekte dieses Objekts nachdenken. Der Kubismus brachte eine solche intellektuelle Perspektive in die Kunst der Fotografie. Der kubistische Maler, der es ablehnte, die Leinwand als Raum zu betrachten, akzeptierte, dass es sich gewissermaßen um eine Fläche ohne Tiefe handelte; In der Zwischenzeit begann er, sein Modell nicht mehr mit absoluter Treue zu betrachten, sondern mit dem zu fotografieren, was ihm in Erinnerung geblieben war. Die Abkehr von der Einzelperspektive, die die Kunst der Fotografie seit der Renaissance dominiert hat, führte dazu, die Welt aus einer neuen Perspektive zu betrachten und sie mit dem Geist statt mit den Augen wahrzunehmen. Dies bedeutete eine neue Sprache und damit ein neues Weltbild.
Vielleicht können wir den Kubismus auf diese Weise erklären. Wir müssen jedoch die Interpretation vermeiden, dass Braque und insbesondere Picasso sich auf eine bestimmte Theorie stützten und diese dann in der Fotografie ausprobierten. Zu diesem Thema sagte Picasso 1923 tatsächlich Folgendes: „Mathematik, Trigonometrie, Chemie, Psychoanalyse, Musik und alles andere wurden ins Spiel gebracht, um den Kubismus zu erklären.“ „Ich werde nicht sagen, dass all diese Versuche, die Menschen mit ihren Theorien blind machen und schlimme Konsequenzen nach sich ziehen, absurd sind, aber sie sind nur Literatur.“
Was ist also abstrakte Fotografie? War der Maler Vassili Kandinski derjenige, der das erste abstrakte Gemälde malte? Ja, aber lassen Sie uns über andere Namen sprechen, die diese Zeit begleiteten.
Mehmet Yılmaz erklärte in seinem Buch, dass der Maler Vassili Kandinski (1866-1944), der als erster natürliche Bilder mit der Begründung eliminierte, sie seien „schädlich“ für seine Fotografie, als der erste Praktiker dessen gilt, was wir als abstrakt oder nicht abstrakt bezeichnen -figurative Kunst.
Es ist jedoch unklar, ob Kandinski davon ausgehen konnte, dass seinem Kollegen, dem suprematistischen Maler Malewitsch, eines Tages das Anfertigen abstrakter Fotografien mit der Begründung verboten werden würde, dass ihre Fotografien schädlich für die Gesellschaft wären …
Kandinski studierte zunächst Jura und Volkswirtschaftslehre in Moskau, entschloss sich jedoch im Alter von 30 Jahren, Künstler zu werden und zog nach München. Kandinski, der vier Jahre lang den Unterricht bei einem Maler namens Anton Azbé nahm, lernte dort Aleksei Javlenski und Franz Marc kennen, die später seine engen Freunde werden sollten. Kandinski mochte Farbe sehr. Aus diesem Grund interessierte er sich für Fovs in Frankreich sowie für Javlenski und Marc. Da er erkannte, dass Farben ebenso wie Musiknoten Schwingungen in der menschlichen Seele hervorrufen, wollte er zunächst die Objektszenen in der Fotografie in Farbe umwandeln und sie dann vollständig beseitigen. Einer der Gründe für seine Reaktion auf die Welt der Dinge war, dass er als sehr religiöser Mensch gegen den Materialismus war. Dies hatte großen Einfluss auf seinen Austritt aus der Sowjetunion. Da die Wahrheit eine spirituelle Sache ist, muss die Kunst sie widerspiegeln und sich vom Joch des Objekts befreien.
Laut Mehmet Yılmaz war Kandinskis Kunst individuell und emotional, während sich Piet Mondrians Kunst in eine rationalere und geometrischere Richtung entwickelte.
Der Neoplastizismus war die künstlerische Widerspiegelung einer postphysischen Weltanschauung, an die Mondrian glaubte. Ihm zufolge war die Realität etwas Göttliches, jenseits dieser Welt voller Objekte, die wir mit unseren Augen sehen, die aber vom Geist erfasst werden könnten.
Wenn wir ein wenig recherchieren, können wir erkennen, dass diese Weltanschauung in jeder Epoche der Geschichte auf die eine oder andere Weise in anderen geografischen Regionen gefunden wurde. Es handelt sich beispielsweise um einen Standpunkt, der bei Platon oder im Christentum und Islam auf unterschiedliche Weise zum Ausdruck kommt. Als zeitgenössischer Maler hat Mondrian diesen Weg nicht mit Gewalt, sondern aus eigenem Willen eingeschlagen. Auch die Entfernung von Objektbildern aus seinen Fotografien war ein Ergebnis seines eigenen Willens. Wenn ein Kunstwerk, das den Gegenstand ausschließt, als abstrakt bezeichnet wird, dann sollte es keinen Grund geben, warum Werke, die zu diesem Zweck in der islamischen Welt geschaffen wurden, nicht als abstrakt bezeichnet werden sollten!
Ein anderer Maler, der Fotografien nach einer Theorie anfertigte, die er fast auf die Ebene eines religiösen Glaubens erhob, war Kasimir Malewitsch (1878-1935). Malewitsch, der an der Moskauer Schule für Fotografie, Bildhauerei und Architektur studierte, hatte bis 1913 eine kubistische Tendenz. Sein Stil verlagerte sich vom analytischen und synthetischen Kubismus zu den mechanischen Figuren von Léger.
Kasimir Malewitsch. Der Messerschärfer 1912. Öl auf Leinwand. 80×80cm
Nach diesem Foto begann Malevitch, seine Kompositionen in Bezug auf Farbe und Form zu vereinfachen, und nach einem Jahr schuf er ein Foto mit dem Titel „Zero Form“. Dieses Foto, das später als „Schwarzes auf weißem Quadrat“ bekannt wurde, fand auf der letzten Ausstellung futuristischer Fotografie in Petrograd im Jahr 1915 große Resonanz. Das große schwarze Quadrat auf der Leinwand war im Gegensatz zu den geometrischen Formen des Bildes keine Abstraktion einer zufälligen Form vorherige Fotos. Es sah eher wie ein Symbol als wie ein Bild aus. Laut Malewitsch war der Platz, den er „die letzte Form, in der ich Zuflucht finden konnte“, ein Symbol, das Brücken zur Vergangenheit brach und den Anfangspreis einer neuen Kunst trug, ein Symbol des stillen Nichts.
Kasimir Malewitsch, Schwarzes Quadrat 1915 Öl auf Leinwand 79,5 x 79,5 cm. Tretjakow-Museum Moskau
Leider wurde die abstrakte Kunst nach der Russischen Revolution von 1917 mit der Begründung verboten, sie sei elitär. Für die Gesellschaft leicht verständliche Werke zu schaffen bedeutete laut Malewitsch, sie lächerlich zu machen.
In gewisser Weise nannte Malewitsch, der bis zum letzten (höchsten) Punkt der Fotografie ging und Kandinsky und Mondrian übertraf, dies Suprematismus. Maler mussten Subjekt und Objekt, Thema oder Inhalt aufgeben, wenn sie überhaupt Maler sein wollten. Nur dann wird absolute Kreativität verwirklicht. Der Kubismus hätte einen solchen Weg eröffnen können, aber das eigentliche Ziel könnte mit dem Suprematismus (geometrische Abstraktion) erreicht werden.
Was ist mit der Dada-Bewegung? Diese Bewegung, deren wertvollster Vertreter ein Schachmeister ist, entstand in einer Zeit, in der der Krieg alles schrecklich entwertete.
Die Superbewegung, in der Sinne und Bedeutungen verloren gehen, alle Schichten der Kunstgeschichte mit all ihrer Absurdität im repräsentativen Koffer von Marcel Duchamp vereint sind und das Absurde eine immense satirische Inschrift mit all ihrer Eleganz ist…
Die Koordinaten der Kunst überquerten somit den Ozean. Das Unbewusste ist zum Zentrum der amerikanischen Kunst geworden. Der amerikanische abstrakte Expressionismus wurde zur Kunst des neuen Kontinents. Es ging sogar noch weiter und wurde zu Land Arta, und im Laufe der Zeit verteidigt es seinen Platz an den Wänden des Museums weiterhin mit Fotografien. Als die Leute anfingen, Pop zu hören, Hamburger zu essen, Andy Warhol zu verstehen und nach Amerika zu reisen, um die Werke von Claes Oldenburg zu sehen, wurde Pop Art häufiger erwähnt als die Mona Lisa.
Marcel Duchamp. Die Kofferbox. 1936 – 1941. Centre Pompidou. Peggy Guggenheim Collection, Venedig (Solomon R. Guggenheim Foundation, New York)
1. Auflage der „Luxus“-Edition der Reisetasche (hergestellt von Louis Vuitton), die 69 Reproduktionen von Duchamps Werken vereint.
Ja, nicht nur die Fotografie, sondern alles ist jetzt abstrakt geworden… Alles hat begonnen zu verschwimmen. Je näher wir der Gegenwart kommen, desto weitsichtiger werden wir, auch wenn wir das nicht wollen, weshalb wir das 20. Jahrhundert ins Rampenlicht rücken.
In dieser Zeit hat die Menschheit zwei Weltkriege und Revolutionen erlebt. Der Erste Weltkrieg, die Russische Revolution von 1917, der Zweite Weltkrieg und die Bewegungen, die diese Jahre umfassten, umfassten den deutschen Expressionismus, Dada, Surrealismus, Futurismus, de Stijl, Suprematismus, Konstruktivismus, Nachkriegszeit, amerikanischen abstrakten Expressionismus, Pop, Fluxus und Land Art . Wir sind uns selbst, dem Heute und der heutigen Kunst näher gekommen.
Das Jahrtausend ist viel heller. Daten sind überall, alle Bildschirme, die Straßen sind hell … überall ist es voller Kunst und Konzepte. Was sagte der verbindungsorientierte Theoretiker Marshall McLuhan? „20. Kunst des 20. Jahrhunderts ist Werbung. Es ist schwer, nicht zuzustimmen!
Wie die gesamte Menschheit befinden wir uns inmitten von Daten und Bildern im riesigen Universum. Die Auseinandersetzung mit der Kunsttheorie ist zu einer der wertvollsten Notwendigkeiten unserer Zeit geworden … Es ist notwendig, intuitiv zu schauen, zu sehen, sich vorzustellen, verstehen. , umfassend sein; Wie Sie wissen, geht unsere Reise weiter.
Neuanfang
