Murat Ülker schrieb: Alle Künstler wollen geschätzt werden, Kunstberater?

Murat Ülker, Vorstandsmitglied der Yıldız Holding, Pladis und Vorstandsvorsitzender von GODIVA, auf seiner persönlichen Website: „Alle Künstler brauchen Anerkennung, Kunstberater?“ Er teilte seine Gemäldelesungen in seinem Titelartikel mit.

Ülker verwendete in seinem Artikel die folgenden Worte:

TABELLE LESUNGEN

„Irgendwas fehlt, sagte mir mein Instinkt … Ich habe einen Kurs besucht und mein Leben hat sich verändert. Gemäldelesungen…“ In einem Interview mit Bihter Ayyıldız bei PlumeMag diskutierte die Kunstberaterin Feride Çelik über Kunst, die Wahrnehmung des Künstlers und viele andere Themen.

Damit türkische Kunst im Ausland gefördert werden kann und wir an Weltmuseen teilnehmen können, müssen diese Künstler zunächst einen Platz in unseren eigenen Museen finden. Mit der Stärke unserer Museen liegen wir weit zurück, wenn es darum geht, mit der ganzen Welt in Kontakt zu treten. Liegt es daran, dass wir keine Kultur- und Kunstpolitik haben? Auch hier können wir nicht sagen, dass dies oder das wahr ist … Der Markt findet auch in dieser Form statt. Istanbul liegt aufgrund seiner hohen Zahl an Menschen mit offensichtlichen finanziellen Mitteln sowie seiner künstlerischen Kultur und seinem künstlerischen Publikum immer an der Spitze. (https://www.plumemag.com/elestirel-sanat-sohbetleri-feride-celik/)

Ich denke, wer hinter die Kulissen der Kunst und der Stände in der Türkei sowie in die Wahrnehmung eines Art Directors blicken möchte, sollte es unbedingt lesen. Ich habe mir das Buch „The Meaning of Art“ von Herbert Read angesehen und es ist mir aufgefallen. Es könnte aufschlussreicher sein, wenn wir sowohl das, was Feride gesagt hat, als auch Reads Buch zusammen betrachten. Fragt man Wikipedia, heißt es über Herbert Read: Sir Helbert Read, „britischer Dichter und Kritiker. Nach den 1930er Jahren wurde er zum führenden Verfechter zeitgenössischer Kunstbewegungen in Großbritannien. In seiner Kritik vertrat er eine anarchistische Perspektive auf Gesellschaft, Kunst und Literatur. Laut HR, der darauf aufmerksam macht, dass die Endgültigkeit der Kunst, die nicht das Wort für ein einzelnes Ideal ist, sondern ein zufälliges Ideal, dem der Künstler plastische Form geben kann, und die Eigenschaft des Angenehmen zu einer untrennbaren Form verschmelzen, die Der Zweck der Kunst besteht darin, das, was wir hören, anderen zu vermitteln, während Annehmlichkeit das Gefühl ist, das uns bestimmte Formen vermitteln.

Sir Herbert Reads Buch „The Meaning of Art“, das erstmals in den 1950er Jahren in Istanbul erschien, wurde 1960 erstmals auf Türkisch veröffentlicht und erfreute sich großer Beliebtheit. Im Jahr 2017 veröffentlichte Hayalperest Publications das Buch erneut.

Im ersten Teil des Buches, das aus drei Hauptteilen besteht, werden die Ideen des Autors zu den Grundelementen der plastischen Kunst wie Definition von Kunst, Ästhetik, Linie, Form, Farbe und Ton detailliert dargelegt, während im zweiten Teil die Vorstellungen von Primitivem erläutert werden Von der Kunst zur keltischen Kunst, von der byzantinischen und iranischen Kunst zur Renaissance und dem Rokoko, von dort zu Picasso und Moore schafft er eine Art Lektüre der Kunstgeschichte, indem er eine breite historische Periode anhand von Strömungen behandelt.

Im dritten Teil des Buches, das sich mit der Ideologie der Kunst anhand der Kunstauffassungen von Tolstoi, William Wordsworth und Matisse befasst, wird zunächst darauf hingewiesen, dass das Wort „Kunst“ im engeren Sinne meist mit der sogenannten plastischen und plastischen Kunst zusammenhängt Bildende Kunst, aber eigentlich sollten auch Literatur und Musik in diesem Wort enthalten sein. Mit der Feststellung, dass im Wesentlichen alle Künste gemeinsame Merkmale aufweisen, sagt der Autor zum ersten Mal, dass Schopenhauer erklärt habe, dass alle Künste den Wunsch hätten, Musik zu werden, weil seiner Meinung nach der Künstler direkt zum Publikum sprechen könne, vermutlich ohne eine verwendete Phrase zu verwenden für andere Zwecke nur in der Musik.

Trotz alledem ist laut HR, der sagt, dass alle Künstler den „Wunsch zu gefallen“ haben, das einfachste und am häufigsten verwendete Rezept der Kunst das Bemühen, schöne Formen zu schaffen, und seiner Meinung nach streicheln diese Formen unser Gefühl der Annehmlichkeit. und es ist die Einheit und Harmonie der Formbeziehungen inmitten unserer Sinne, die unser Gefühl der Angenehmheit streicheln. In Summe; Während das Gefühl von Angenehmheit in Bezug auf den Autor schöner ist, ist das Gefühl von Berührungen und Unannehmlichkeiten das Gegenteil.

Der Autor weist darauf hin, dass es mindestens ein Dutzend Rezepte für Schönheit gibt, und betont, dass der Zweck der Kunst, der nicht der Ausdruck eines offensichtlichen Ideals ist, sondern ein Ideal, in dem der Künstler eine plastische Form bilden kann, den Zweck von Kunst und Kunst festlegt Angenehmes und Angenehmes sind laut HR irgendwie gemischt, während der Zweck der Kunst darin besteht, anderen zu vermitteln, was wir fühlen, ist es das Gefühl, das bestimmte Formen uns vermitteln.

Nach Ansicht des Autors, der weiter sagte, dass das Element der Form in der Kunst das dauerhafte Äquivalent des Menschen ist, der auf dem Sinn für Schönheit basiert, ist das, was sich verändert, die Sensibilität. Was sich ändert, ist das Verständnis, das die Person aufgebaut hat ohne Rücksicht auf seine Wahrnehmungen und sein Geistesleben, und diesem verdanken wir die Variabilität der Kunst. Denn das Wort ist ein Wort, das die Widerspiegelungen von Gefühlen direkt beschreibt. Allerdings basiert die Form, die eine Art Ausdrucksstil für sich ist, tatsächlich auf Intuition, und tatsächlich handelt es sich um ein Werk, das vollständig von Instinkten abhängt. HR setzte seine Ausführungen mit der Feststellung fort, dass man seit den Anfängen der griechischen Ideologie versucht habe, ein Gesetz der Geometrie in der Kunst zu finden, und sagte, dass nicht nur der Goldene Schnitt, sondern auch andere geometrische Proportionen in tausendundein angestrebte Systeme gebracht werden könnten reife Harmonie erreichen. Zum Beispiel; Während griechische Vasen kalt und leblos sind, weil sie den geometrischen Gesetzen genau folgen, herrscht in einem einfachen Bauerntopf oft mehr Lebendigkeit und Freude. Die Japaner hingegen verderben bewusst den perfekten Zustand, der natürlicherweise durch die Töpferscheibe entsteht, weil ihrer Meinung nach wahre Schönheit nicht so systematisch ist. Darüber hinaus bedeutet „Verzerrung“, was je nach Autor in unterschiedlichem Ausmaß im Wesentlichen eine Abweichung von der geometrischen Harmonie oder, allgemeiner, eine Missachtung von Maßen in der Natur bedeutet, und so liegt eine Form der Verzerrung in der Kunst vor, entweder von Amts wegen oder vermutlich durch Gewalt. Im 16. Jahrhundert führte jedoch das Missverständnis über den Zweck der klassischen Kunst zu einer fast vollständigen Nachahmung der Natur, die jedoch nicht lange anhielt, und die Aufgabe dieser Nachahmungen war der Wunsch des Künstlers, eine stabile oder geordnete Form zu bilden . , um eine Masse zu etablieren, oder auf die Realität der Welt der Absicht, er glaubt, dass es getan wurde, um ein Symbol zu schaffen. Zum Beispiel; Der Wunsch, in der byzantinischen Kunst eine Idee mit Symbolen darzustellen, beraubt menschliche Figuren ihrer Menschlichkeit und Jesus auf dem Schoß Mariens ist kein Kind, sondern eine Miniatur, die den Sieg, die Herrlichkeit und den Adel des erwachsenen Jesus darstellt.

In der keltischen oder chinesischen Kunst verschwanden die figurativen Motive jedoch vollständig und wurden zu geometrischen Beispielen, und der Grad des Verfalls nahm zu.

Kunst ist daher teilweise ein Werk der Zeit; das heißt, der Einfluss ist nicht nur Eigentum der Kunst, sondern auch das Werk einer bestimmten Geschichte, einer bestimmten Religion und ein offensichtlicher Teil. Wenn die Kunst von all dem getrennt wird, bleiben nur die Elemente Form und Farbe übrig. Laut dem Autor, der weiter erklärt, dass die spirituellen Gründe für den Künstler, den künstlerischen Geist in uns allen anhand von Beispielen zu erklären, durch die Physiologie beleuchtet werden können – das Nähen unnötiger Knöpfe an unserer Kleidung, die Auswahl von Socken und Krawatten oder die Auswahl unserer Hüte und Mäntel, es ist noch dunkel. Obwohl es Beispiele gibt, sind nicht alle Beispiele Kunstwerke. Zum Beispiel; Der Künstler, der das chinesische Pferd aus grünem Marmor (linke Seite) anfertigte, hätte das Pferd ohne großen Aufwand realistischer gestalten können, aber der Künstler, der sich nicht für die Anatomie des Pferdes interessierte, betrachtete das Pferd als Beispiel einer aufgerollten Masse , und so haben die Drehung des Halses, die Locken der Mähne, die Falten der Hüften und Beine das Beispiel weit von der Wahrheit entfernt. Was auffällt, ist; Obwohl es nicht sehr ähnlich aussieht und viele Menschen das Werk mit dem Löwen verwechseln, handelt es sich dennoch um ein sehr einflussreiches Kunstwerk aus der größten Epoche der chinesischen Kunst. Die gleiche Regel gilt jedoch für das Werk von Henri Matisse. Es ist jedoch nicht die Lebendigkeit des Modells oder die architektonische Besonderheit der Szene, die ihn interessiert, sondern alles, was ihn an ein Beispiel denken lässt.

Laut HR wird von einem Kunstwerk eigentlich erwartet, dass es nicht Eigentum einer Person ist und dass beim Künstler eine ausgeprägte Sensibilität angestrebt wird, selbst wenn er keine ausgeprägte Intelligenz besitzt. Denn ein Kunstwerk ist ein von Sinnlichkeit durchdrungenes Beispiel, und ein Beispiel ist der Grad der Organisation innerhalb einer offensichtlichen Grenze; Bei einem Foto ist dieser Rand beispielsweise direkt der Rahmen des Fotos. Auch hier, so der Autor, gibt es im Kunstwerk einen imaginären Ausgangspunkt, den man als Schwerpunkt bezeichnen kann, und um diesen Punkt herum sind Linien, Flächen und Massen stabil verteilt und das Hauptziel ist Harmonie. . Diese Harmonie umschmeichelt unser Wohlgefühl.

ihre Gedanken ausdrücken; Indem er weiter sagte, dass die Keramik die einfachste aller Künste sei, die schwierigste, weil sie am abstraktesten sei, und dass sie eine der ältesten sei, erklärte der Autor diese Kunst zunächst sehr bescheiden, wenn man sie von Anfang an betrachtete. , und da er glaubte, dass sich in dieser Kunst die nationalen Besonderheiten manifestieren sollten, erfüllte sie die wichtigsten Bedürfnisse der Zivilisation. Er wies darauf hin, dass der Grad der Sensibilität der Kunst einer Nation anhand der Keramik gemessen werden sollte, indem man ihre enge Verwandtschaft erwähnte. Denn seiner Meinung nach ist Keramik die abstrakteste Form der plastischen Kunst und eine reine Kunst, die von allen Arten von Vergleichen getrennt ist, und das eigentliche Ziel der Skulptur, die ihr nahe steht und weniger frei ist, Formen auszudrücken, ist der Vergleich von Anfang an. Im Vergleich zu HR, der seine Ideen weiterhin über die Fotografie als Zweig der bildenden Kunst teilt, um die zentrale Struktur eines Kunstwerks genauer zu betrachten, gibt es unterschiedliche Möglichkeiten, ein Kunstwerk zu analysieren. Kunst. Die Linie besteht aus fünf Elementen wie Rhythmus, Formanhäufung, Ort, Licht-Schatten, Farbe, und alle diese Elemente sind verschiedene Aspekte des Ortsgefühls des Künstlers. Es sollte jedoch beachtet werden, dass die Kunst aus dem Wunsch zum Zeichnen entstand. Tatsächlich begann die erste Kunst der Geschichte, die Kunst des Höhlenmenschen, mit der Darstellung von Konturen. Aus diesem Grund ist die Zeichnung das wertvollste Element, sei es in der bildenden Kunst oder sogar in der Bildhauerei. Denn das wertvollste Merkmal der Linie, die eine Abstraktion ist, besteht darin, dass sie Masse und konkrete Form zeigen kann, sodass sie die prägnanteste und konkreteste Art ist, ein Motiv darzustellen; Das Hauptwerk, das er sieht, ist zunächst einmal eine Auswahl, eher eine Anschauung als eine Darstellung.

Trotz des Werts der Linie wurde der Ton im Vergleich zu HR wahrscheinlich hauptsächlich in der Musik verwendet, aber er ist als verbale Hilfsmittel genauso verbreitet und wahrscheinlich genauso wertvoll wie die Linie, denn nach dem Problem, eine dreidimensionale Masse mit Endungen darzustellen, Es entstand das Problem, mit Licht Masse zu erzeugen. Während die Linie, die sich mit der objektiven Realität des Gegenstands befasst, die Erscheinung des Gegenstands nur durch ein Zeichen anzeigt, kann sie nicht dessen visuelle Erscheinung wiedergeben, aber sie kann dem Licht eines Gegenstands durch Verdickung und Verdünnung Bedeutung verleihen. Das Licht ist fließend, daher kommen Schattierungen ins Spiel, und was die Fotografie anstrebt, ist ein Spiel von Schatten und Licht, um Kontraste anzudeuten, wie in der Fotografie „Der barmherzige Samariter“ von Rembrant.

Im Vergleich zum Autor, der weiterhin seine Vorstellungen über die Rolle der Farbe in der Malerei vermittelt, fügt die Farbe den verschiedenen Elementen eines fertigen Kunstwerks ein weiteres Element hinzu. Während die Linie für Klarheit und dynamische Harmonie sorgt und eine mögliche Masse oder konkrete Form suggeriert, fügen die Farbtöne das Wort „Ort“ hinzu, und wenn Farbe einbezogen wird, verstärkt dies die Wahrhaftigkeit des Fotos und spricht direkt unsere Sinne an. Was diese Konnotation für uns bedeutet, wie der Autor Ruskin feststellt: „Alle Menschen mit normaler Konstitution und Temperament mögen Hautfarbe; Farbe spendet der menschlichen Seele immer Freude und Trost. Es gibt eine Fülle von Farben in den höheren Wesen, und Farbe ist ein Zeichen und ein Siegel der Reife in ihrem Wesen; Farbe steht im Zusammenhang mit dem Leben im menschlichen Körper, dem Licht am Himmel, der Reinheit und Härte der Erde. Die Toten, die Nacht und alle verdorbenen Wesen sind farblos. erklärt es mit seinen eigenen Worten.

Der Autor erwähnt, dass die Form das am schwierigsten zu verstehende der vier Elemente in einem Foto ist, das ein Kunstwerk ist, weil es metaphysische Probleme mit sich bringt, und vergleicht es mit Platons Unterscheidung zwischen relativer und absoluter Form. Dafür muss seiner Meinung nach die Formenanalyse auf die Fotografie angewendet werden. Im folgenden Werk, einer barocken Komposition mit dem Namen „Die Bekehrung des Heiligen Maurice“ von El Greco, ist das Schema so komplex, die wiederholten Beziehungen so erstaunlich, die Form so geschickt das Gewünschte verstärkt, dass es mehr als einmal der Fall ist Lösung eines mathematischen Problems, die Form ist hier in Bezug auf den Autor zur eigentlichen Intuition geworden.

Abschließend erinnert HR am Ende des ersten Teils seines Buches daran, dass alle Elemente in einem perfekten Kunstwerk miteinander verbunden sind, und betont, dass sie sich zu einem Ganzen verbinden und dass der Wert dieses Ganzen größer ist als der Gesamtwert aller Artikel.

HR beginnt den zweiten Teil seines Buches mit der Feststellung, dass das ästhetische Empfinden in der Kunst der Naturvölker nicht von ihren Absichten abhängt, und präzisiert, dass sich die Beispiele „prähistorischer“ Kunst aus der Altsteinzeit, die uns überliefert sind, in drei geografische Gebiete unterteilen Gruppen: Französisch-Kantabrisch, Ostspanien und Nordafrika, und dass die wertvollste davon Altamira in Spanien sei. Er sagte, dass es in seiner Höhle bekannte Tierfotos gebe. Das gemeinsame Merkmal dieser drei Gruppen, einschließlich der Höhlenfotografien, ist das Fehlen einer Perspektive, und das Hauptziel besteht darin, von jedem Element eines Objekts in alle Richtungen sprechen zu können; Kombinieren Sie die Seitenansicht des Fußes mit der Vorderansicht des Auges. Aus diesem Grund machte er darauf aufmerksam, dass die Formen in der Natur der Autorenmodule bei Bedarf entfernt oder verzerrt werden können, um das Wesentliche der Ware wiederzugeben; der Körper eines Stiers, der gerade gestreckt wird, um die Sprungbewegung zu zeigen. Denn der primitive Mensch, der kein systematisches und kontinuierliches Leben führte und von Tag zu Tag lebte, was er konnte, glaubte, dass durch die symbolische Darstellung eines Ereignisses dieses Ereignis wahr werden würde, und das Kunstwerk war für ihn ein Flucht aus der Ungewissheit des Lebens.

Seit der Kunst des Urmenschen, der in seinen Worten nicht über den Moment hinaus denken kann und jedes Ereignis mit seinen Instinkten interpretiert, wurde die Kunst in organische (Volkskunst) und geometrische (Kunst der Priester) unterteilt, um in der Geschichte das gewünschte Ergebnis zu erzielen . Notwendig und unabdingbar sei für einen Künstler Sensibilität, so der Autor, der seine Ausführungen mit dem Hinweis auf das Verhältnis von Kunst und Religion fortsetzt.

Mit dem Aufkommen von Zivilisationen, die als national bezeichnet werden können, übernimmt die ägyptische Kunst, die über lange Zeit und in weiten Bereichen beeinflusst wurde, die Führung beim Verständnis nationaler Kunst. Der Autor, der ausführlich auf die ägyptische Kunst eingeht, geht dann auf die Kunst des alten Amerika ein, die in allen Phasen der Kunstgeschichte am verborgensten war und am wenigsten geschätzt wurde. Weiter geht es mit der chinesischen Kunst, die eine längere Geschichte als die ägyptische Kunst hat und weniger kontrastreich als die ägyptische Kunst ist, der iranischen Kunst mit ihrer regionalen Vielfalt, der byzantinischen Kunst, die ihren religiösen Charakter nie verloren hat, und der keltischen Kunst, die er für die attraktivste von allen hält die Abteilungen für Kunstgeschichte. Anschließend setzt er sein Buch mit Erläuterungen zu den Zeichnungen der italienischen Meister fort, dem Abschnitt, in dem das Christentum seinen höchsten Ausdruck findet, denn seiner Meinung nach ist Zeichnen eine völlig andere Kunst als Fotografie. Seiner Meinung nach sind es die Meisterschaft und der Glaube an die Konstruktion, die Menschen am Entwurf eines Großmeisters reizen. Obwohl die Muster zu unterschiedlichen Zwecken hergestellt werden und sich daher hinsichtlich ihrer Art voneinander unterscheiden, ist allen diesen verschiedenen Mustern gemeinsam, dass sie originell sind. Die Verhaltensweisen, die Handwerker voneinander unterscheiden, finden sich in den Mustern wieder.

HR sagte, dass jede Epoche ihre eigene Ordnung habe, die auf diskontinuierlichen Sensibilitätsperioden basiert, während der Barockstil, der nach der Renaissance kam, bis 1715 oder 1720 andauerte. Ab 1760 begannen maßgebliche Namen wie Klassizismus und Romantik mit neuen Stilrichtungen zu versehen . Der Autor, der hinzufügt, dass diese Tendenzen auf den ersten Blick sehr verwirrend erscheinen, weist jedoch darauf hin, dass in der Zwischenstufe nur der Rokoko-Stil hervorsticht. Ihm zufolge ist der Rokoko-Stil der neueste kreative Stil in Europa, und die Wiederbelebung des Interesses am Barockstil begann in Deutschland. HR beschreibt ausführlich die Kunststile Rokoko und Barock und definiert Michelangelo aufgrund der frühesten Spuren dieses Stils als Vater der Barockkunst.

Das Rokoko hingegen, das als Stil der Inneneinrichtung begann und Ausdruck einer unaufhörlichen künstlerischen Bewegung ist, wurde in Frankreich geboren, entwickelte sich aber in Deutschland. Jules Hardouin, der bekannte Architekt des Schlosses von Versailles, und die Schüler von Mansart

Zwei Pariser Architekten, Robert de Cotte und Giles-Marie Oppenord, gehörten zu den ersten, die diesen Stil erdachten. In Deutschland findet sich die Essenz und der reinste Ausdruck des Rokoko-Stils in kleinen Objekten, insbesondere in Porzellan, das ein Rokoko-Element ist. Der Rokoko-Geist findet seine reinste, kristallisierte Form in der Person des italienischen Kleinplastik-Meisters Franz Anton Bustelli, der Mitte 1754-1763 in der Nymphenburger Manufaktur arbeitete. Besonders interessant ist hier das Anzeigebild. HR sagte, es könne als „Poesie“ bezeichnet werden, da es sich um ein Merkmal handelt, das auf das Erscheinungsbild der Fotografie hinweist. Er erzählt dies durch das Erscheinungsgemälde, das Claude, der eine Verbindung zwischen literarischen und plastischen Ideen sucht, nach „Der Zusammenbruch des Römischen Reiches“ benannt hat.

Er führte seine Ausführungen mit der Feststellung fort, dass die Bildfotografie ein typischer Aspekt der britischen Tradition sei, und sagte, dass laut HR das Wichtigste in der englischen Kunst die Hingabe des Künstlers an die Natur sei. Er erläuterte diese Idee anhand der folgenden Fotografien von Künstlern – William Blake und JMW Turner – die repräsentativ für dieses Merkmal sind.

HR setzte seine Geschichte fort, indem er die Beziehung zwischen der Natur, in der die Welt der Erscheinungen verstanden wird, und der Kunst erläuterte, und fuhr dann mit detaillierten Erklärungen von Turner fort, der als Vater des Impressionismus bekannt ist und der besser geeignet ist, die Stärke und Größe dieses zu zeigen Natur. Das Fach Theologie hat diesen Zusammenhang durch die Werke von Constable und Delacroix herausgearbeitet, die glaubten, dass das Phänomen der Natur rein verstanden werden sollte und einen Einfluss auf die Entwicklung der europäischen Fotografie hatte.

Anschließend vergleicht der Autor, der auch auf die Form von Edouard Monet eingeht, impressionistische und postimpressionistische Fotografien mit Renoir, Cézanne, Van Gogh, Gauguin, Henri Rousseau, Picasso und Marc Chagall anhand der Ähnlichkeiten und Unterschiede in ihrer Kunst Formen, die einen sehr detaillierten Vergleich der Geschichte der zeitgenössischen Kunst ermöglichen.

Dann der Autor, der seine Erklärungen fortsetzt, indem er Expressionismus, Surrealismus oder Superrealismus beschreibt, eine Kunstform, die auf menschlichen Gefühlen und Persönlichkeiten in ihrer Beziehung basiert und sich völlig vom Kubismus und anderen abstrakten Bewegungen sowie vom Surrealismus oder Superrealismus unterscheidet Realismus bzw. Realismus machen in diesem zweiten Teil des Buches harte Arbeit. Er beschrieb zeitgenössische Skulptur, also die Kunst des Schnitzens und Zerspanens.

Schließlich hinterfragt HR, der die ersten beiden Teile seines Buches aus der Sicht des Publikums vermittelt, im dritten Teil das künstlerische Ereignis aus der Sicht des Schöpfers des Werkes, des Künstlers.

Was macht der Künstler? Warum macht er das? Für wen macht er es? Ziel war es, durch die Beantwortung von Fragen die Rolle des Künstlers in der Gesellschaft zu erklären. Seine Erläuterungen zu diesem Teil stützte er sich auf Tolstois Definition des künstlerischen Ereignisses, die betont, dass das „Ausgedrückte“ völlig verständlich und klar sein muss, und auf Wordsworths Theorie der Poesie, die auf der Alltagssprache der Menschen basiert, und wie Matisse eine gewisse Farbharmonie auf der Leinwand geschaffen. Laut dem Autor besteht die Hauptaufgabe der Kunst darin, über Emotionen zu sprechen und Verständnis zu vermitteln. Weil es eine unbestreitbare Verbindung zwischen dem Künstler und der Gesellschaft gibt; Der Künstler verlässt sich auf die Gesellschaft, er bezieht seinen Ton, sein Gesicht und seine Gewalt aus der Gesellschaft, deren Teil er ist. Andererseits beruht die Kunst aber auch auf dem Wunsch, eine bestimmte Form zu geben, die Ausdruck der Persönlichkeit des Künstlers ist, sonst kann kein wertvolles Kunstwerk entstehen. An dieser Stelle meint der Autor, dass es einen Widerspruch gibt, der mit Hilfe der Metaphysik erklärt werden kann, und er beendet sein Buch mit der Frage, wie die erstaunlichen Ähnlichkeiten von Kunstwerken bestimmter historischer Epochen erklärt werden können, wenn die Kunst nicht das Ergebnis ist . Regeln, in denen wir uns befinden, sondern der Ausdruck eines individuellen Wunsches. Ich habe Herbert kennengelernt, als ich dieses Buch gelesen habe, und für diejenigen, die mehr wissen möchten: Er ist außerordentlicher Professor in der Februarausgabe 2022 des Bodrum Art and Design Magazine. Ich empfehle Ihnen, Engin Ümers Artikel „The Ideology of Contemporary Art“ von Herbert Read und die Idee der Universalität zu lesen. (**)

Kunst ist nicht leicht zu verstehen, wenn man sie gründlich liest. Allerdings ist davon auszugehen, dass Kunsthistoriker und Kunstkritiker das Werk unverständlich machen und ihr Selbstbedürfnis steigern. Wenn man die Werke auf diese Weise betrachtet, ist es meiner Meinung nach leicht zu verstehen. Was ist mit Kunstverlagen und Beratern? Haben Sie den Artikel von Feride Hanım gelesen? Ich habe Ihnen ein wenig über Herbert Reids Buch und die damit verbundenen Absichten erzählt. Natürlich ist es notwendig, ausführlicher und viel zu lesen. Die Entscheidung liegt jedoch bei Ihnen, wie Sie es interpretieren, was Sie wütend macht, was Ihnen gefällt, es liegt an Ihnen.

Denken Sie daran, Kunst ist Freiheit, Sie müssen nicht der Schablone folgen oder irgendjemandem folgen.